Vestir la identidad

En un taller de Ciudad de México, una pieza de tela puede comenzar mucho antes de convertirse en una prenda. Primero están las manos: alguien teje, borda, tiñe o corta siguiendo una técnica aprendida de otra persona. Después aparece el diseñador, no necesariamente para sustituir ese conocimiento, sino para preguntarse qué puede hacer con él ahora.

Durante años, hablar de identidad en la moda latinoamericana significó recurrir a símbolos reconocibles: un bordado, un traje tradicional, una paleta de colores, una silueta asociada a un territorio. Hoy la conversación parece más compleja. Una nueva generación de diseñadores está utilizando esos mismos materiales y saberes, pero desde otro lugar: no para reproducir el pasado, sino para incorporarlo a una estética contemporánea.

La pregunta ya no es cómo conservar una tradición intacta.

Es qué sucede cuando esa tradición entra en diálogo con el diseño actual.

El textil como lenguaje

En México, el trabajo de Carla Fernández ofrece una de las aproximaciones más consistentes a esa idea. Su casa de moda colabora con más de 175 artesanas y artesanos de distintos estados del país, trabajando técnicas de tejido, bordado, tintorería y otras prácticas tradicionales dentro de un proceso de diseño contemporáneo.

Su propuesta parte incluso de una observación sobre la construcción de las prendas. Frente al patronaje occidental basado en curvas y cortes que siguen el cuerpo, Fernández ha estudiado la lógica geométrica de muchas prendas indígenas mexicanas, construidas a partir de cuadrados y rectángulos. La diseñadora convirtió esa investigación en lo que denomina “la raíz cuadrada”: un sistema de diseño que toma la geometría y los métodos de confección tradicionales como punto de partida para crear nuevas formas.

Aquí la identidad no funciona como estampado. Está incorporada en la estructura misma de la pieza.

La identidad puede estar en una forma de hacer, no solamente en una forma de verse.

Algo similar sucede en Perú con ESCVDO, fundada por las hermanas Chiara y Giuliana Macchiavello. La marca trabaja desde Lima y ha construido su lenguaje alrededor del patrimonio textil peruano, utilizando técnicas ancestrales de tejido y colaborando con artesanos locales. Sus colecciones han tomado como punto de partida desde la cultura inca y las tradiciones afroperuanas hasta los paisajes de la costa y la Amazonía.

Su colección Huari, por ejemplo, parte de la civilización preincaica del mismo nombre y traduce su imaginario geométrico y simbólico a siluetas contemporáneas, algodón Pima, flecos y tejidos realizados por artesanos peruanos. No se trata de reproducir un textil arqueológico, sino de preguntarse qué queda de aquel lenguaje cuando pasa por una sensibilidad del presente.

Guatemala: vestir el territorio

En Guatemala, esta conversación adquiere otra dimensión porque el textil maya continúa formando parte de la vida cotidiana de numerosas comunidades. El reto para los diseñadores contemporáneos consiste en trabajar con esa herencia sin convertirla en un simple recurso ornamental.

La diseñadora guatemalteca Victoria Rivera ha construido precisamente su propuesta alrededor de una interpretación contemporánea de los textiles mayas, el paisaje guatemalteco y la fauna tropical. Sus telas son desarrolladas como parte central de la propuesta y el trabajo incorpora a artesanos textiles apoyados mediante programas de bienestar social.

Hay algo importante en estos proyectos: ninguno necesita que la tradición permanezca congelada para que siga siendo reconocible. El tejido puede cambiar de escala, la silueta puede simplificarse, los colores pueden desplazarse y una técnica centenaria puede terminar formando parte de una pieza que podría habitar una ciudad contemporánea.

Eso también es patrimonio.

No aquello que permanece idéntico, sino aquello que encuentra una razón para continuar.

En Colombia, MAZ Manuela Álvarez ha desarrollado una aproximación similar desde la sastrería contemporánea. La marca nació de la combinación entre sastrería artesanal y una investigación sobre conocimientos y técnicas ancestrales vinculadas a comunidades indígenas colombianas. Desde 2017, la firma señala que alrededor del 90 % de sus prendas y desarrollos creativos incorporan un enfoque de impacto social, incluyendo procesos de cocreación con comunidades artesanas.

Lo que emerge entre México, Guatemala, Colombia y Perú no es una estética latinoamericana única. Sería contradictorio buscarla. Hay demasiados territorios, historias y sistemas de conocimiento distintos.

Lo que sí existe es una manera diferente de entender la relación entre diseño e identidad.

La tradición deja de ser una imagen del pasado cuando alguien encuentra una manera de hacerla necesaria en el presente.

Quizá vestir la identidad no significa llevar encima una representación evidente del lugar de donde venimos. Puede significar algo más silencioso: reconocer una técnica, valorar el tiempo que necesita una pieza, entender quién la hizo y permitir que ese conocimiento continúe transformándose.

Al principio estaban las manos trabajando sobre una tela.

Después apareció la prenda.

Entre ambas cosas existe todo aquello que hace que una cultura permanezca viva: el conocimiento transmitido, la reinterpretación, el error, la curiosidad y la voluntad de volver a hacerlo de otra manera.

Tal vez esa sea la verdadera posibilidad del diseño contemporáneo latinoamericano: no vestir el pasado, sino darle otra forma al tiempo.